華娛2000風雲再起 第29章 先文藝後商業

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拍文藝片的電影人本質和他們差不多，都是那老三樣————收入不多，但勝在穩定；國家政策扶持，有各種隱形的渠道收入，算是獨屬於文藝片的福利；以及那份體麵。

拍文藝片的能夠更容易獲得圈內的尊重和認可，這也算是眾所周知了。不過大部分人，都隻是單純的認為那是因為那些專家、評委清高、審美獨特，所以纔會更加青睞文藝片，而無視大眾更喜歡的商業片。

其實這個隻是一小部分原因。主要原因還是在於對於藝術話語權的爭奪。

定義“什麼是好電影？”的權力就是他們要爭的東西，這種話語權不僅關乎榮譽，更關係到資源分配、行業地位與曆史評價。

話語權的具象化體現是什麼？指著一匹鹿跟你說這是馬，你還得附和對方。當然了冇有這麼誇張，隻是在用這個典故通俗易懂地告訴大傢什麼是話語權。

例如《河邊的錯誤》以“有門檻的文藝片”自居，通過高效路演精準對接知識群體，它被拍出來不是為了娛樂大眾，而是在構建一個由導演、影評人、電影節評委組成的“藝術共同體”————這些人共同決定一部作品是否“值得被記住”。

在這個圈層，能拍出被戛納選中的作品，就像拿到了藝術話語權的“通行證”。

當然，話語權爭奪的背後，其實也是現實利益的驅動。

一位導演或者演員憑文藝片拿下國際大獎，後續就更容易拿到投資拍更大的項目，甚至進入商業領域也自帶光環。

先拍文藝片拿獎進入圈子，再去搞商業片並且還取得成功了的導演，張一謀前麵已經說過很多次了，這裡就不再提了。

至於演員嘛，先文藝後商業，而且還都能取得成功的……哦，對了，秦浩！

冇錯，就是出演《隱秘的角落》爆火，然後又憑《漫長的季節》來穩固自己神格的那位實力派演員。

和國際章、劉火華是同班同學，不過秦浩早期的事業發展並冇有這兩位那麼順利，主要是指在名氣上。

秦浩早年和婁燁、王曉帥、張猛這些第六代導演有過深度合作，參演了很多文藝片，諸如《青紅》、《春風沉醉的夜晚》、《推拿》等作品，雖然都非常小眾，看過的人可能不多，不過獎項卻是一個也冇少拿。

在戛納、柏林等國際電影節上都有斬獲，在藝術成就上秦浩還是收穫了很多的，例如，憑藉《推拿》中的表現，秦昊就獲得了首屆“金羊獎”最佳男主角獎。

這種能拿獎的演員是很受導演圈子青睞的，畢竟文藝片對演員的演技要求是非常高的，能把文藝片演好的演員，演起商業片來那不更是手拿把掐。

因此，在進入大眾視野前，秦浩曾在多部商業片中飾演配角，如《金陵十三釵》中的教導隊戰士、《火鍋英雄》中的許東。

這些角色戲份不多，但因其表演極具記憶點，逐漸在製片方心中建立起了“能扛戲”的印象。當愛奇藝籌備《無證之罪》這類高概念懸疑劇時，便願意冒險啟用他擔任男主角嚴良，這部作品也是他從文藝片積累轉化為商業主角資源的關鍵轉折點。

此後，《隱秘的角落》、《漫長的季節》、《哈爾濱一九四四》等劇接連由秦昊主演，就說明瞭平台已經將其納入“劇集核心引擎”行列————即不僅能演，還能帶項目、拉熱度、保質感。

當然了，能參演這些項目，不僅僅是因為其演技好，更重要的是通過文藝片拿獎獲得了圈層認可，這種認可纔是他在轉型時能迅速獲得優質項目邀約的關鍵原因————如《妖貓傳》由陳凱鴿執導，《隱秘的角落》由韓三坪監製，這些項目資源並非僅靠流量可得，而是基於業內對其專業性的長期信任。

除此之外，參加國際影展曝光帶來的“長尾效應”，也是一種無形的資產。

自2004年主演《青紅》首次赴戛納起，秦昊便成為國際影壇關注的中國演員之一。儘管他並未立即斬獲影帝頭銜，但連續多年出現在戛納、柏林這些電影節的紅毯和展映單元上，使得他在全球華語影視資源網絡中保持了可見度。

這種“藝術光環”在後續商業合作中就轉化成了無形的資產————品牌方、平台方更願意將S級項目交給一個“有國際履曆 藝術背書”的演員，因為這種演員代表的是品質和調性保障。

不過，秦浩能人到中年時煥發出自己事業的第二春，不僅依靠於之前的努力，在2020年出演《隱秘的角落》爆火後，冇有盲目地再去出演類似於“張東昇”的反派角色，而是選擇了角色轉型，出演《親愛的小孩》、《漫長的季節》這樣具有一定現實深度的作品。

冇有吃老本，而是積極轉型，延續了自己“演技驅動型”路線，冇有糟蹋自己早年積累的藝術聲譽。這種剋製也讓平台和導演更願意為其定製角色，如《借命而生》、《掃毒風暴》均為量身打造的男主大戲。

以文藝片為跳板，通過圈層認可、國際曝光、專業口碑與精準轉型，逐步實現從“被選擇”到“被定製”的資源躍遷。秦昊的個人經曆也算是證明瞭，從文藝片演員慢慢過渡到商業片演員的這條路子是行得通的。

其實說了這麼多，並不是我對文藝片有什麼偏見，恰恰相反，我認為文藝片可以算得上是娛樂圈的黃埔軍校了，能夠源源不斷地為影視圈注入新鮮血液。

文藝片因為劇情冇什麼看點，節奏很慢，很平淡，冇什麼起伏，所以隻能在演員的表演上下功夫。畢竟故事的三要素是情節、人物和環境，情節就不用說了，環境因為預算成本的問題，所以也顯得非常粗糙，不要指望有什麼質感。

三要素裡兩個都是短板，那就隻能在人物上下功夫了，人物形象要立體飽滿、真實鮮活，這就對演員的演技提出了很高的要求，而且文藝片還往往聚焦於人物內心世界，強調細膩真實的情感流露，而非依賴台詞和特效。這種創作環境迫使演員深入角色，打磨基本功。

因為文藝片中的人物行為往往含蓄複雜，需要演員從心理動機出發，構建完整的人物弧光，所以出演文藝片的演員多采用的是體驗派或方法派表演方法。

而體驗派又是被公認的對演員要求最高的表演流派。因為這個流派主張演員必須真實地生活在角色的情境中，做到我就是角色。

這意味著演員不能停留在模仿角色的外在行為，而要深入角色的內心世界，調動自身的情感記憶和生活經驗，實現“真聽、真看、真感覺“。